Krist Gruijthuijsen

Josef Bauers Praxis (geb. 1934, Wels, Österreich) ist irgendwo zwischen Konkreter Poesie, Performance und Malerei angesiedelt; in ihr erkundet der Künstler die physische Beziehung zu linguistischer Produktion und deren Ausstellung. Anders als die Dichter der Konkreten Poesie seiner Generation erforscht Bauer jedoch die greifbare Landschaft und die Räume, in denen Sprache und ihre Darstellung in Beziehung zum Körper miteinander verbunden werden. Diese häufig skulpturalen Interventionen und Installationen ähneln rebusartigen Strukturen, in denen Begriffe wie „Größenordnung“ und „Spur“ wichtige Rollen spielen. Sein Interesse an der Problematik der Beziehung des menschlichen Körpers und seiner Interaktion mit dem bildhauerischen Objekt war auch Gegenstand genauerer Untersuchungen einiger seiner Kollegen wie Franz West. Bauer allerdings brachte die Semiotik ins Spiel, um das linguistische Potenzial dieser Objekte hervorzuheben. Sein unmittelbares Setting wurde für ihn zum Werkzeug, um die Welt um ihn herum zu verstehen und sich mit dieser in Beziehung zu setzen. Diesem physischen Verständnis gab er den Titel „Taktile Poesie“, was ganz wörtlich auch „Poesie-zum-Berühren“ oder „berührte Poesie“ meint. Mitte der 1960er-Jahre ließ er vom „Papier“ ab und drückte fortan sein Interesse an Sprache visuell in dreidimensionalen, setartigen Installationen aus, die malerische und performative Landschaften einbinden. Diese Szenerien und Handlungen umfassen häufig auch Buchstaben als Skulpturen, um das Ausmaß zu unterstreichen, in welchem sich Themen zu Objekten transformieren. Seine „Buchstaben“, zum Beispiel, bestehen aus Metallstangen, an denen jeweils Buchstaben befestigt sind. Sie ähneln vergrößerten Lesezeichen, erinnern uns aber auch an Requisiten, die häufig bei Demonstrationen zum Einsatz kommen. Die Bilder, die den Kampf der KünstlerInnen zeigen, wie sie die Strukturen in die Höhe halten, um Worte zu bilden, sind ein perfektes Beispiel für seinen Versuch, mit seiner Umgebung physisch zu kommunizieren. Bauers Arbeit ist konkreter als die eines jeden anderen Dichters Konkreter Poesie, während sie gleichzeitig die mögliche Autonomie ihrer Formen berücksichtigt und so eine gewisse suggestive Kryptografie ins Leben ruft. Die Wahrnehmung und das Begreifen von Farbe faszinierten den Künstler zunehmend, um auf diesem Weg seinen Erkundungen zwischen Sprache und Kontext mehr Gewicht zu verleihen. Fast legasthenisch bilden die Worte und Farben keine Einheit, sondern rufen zur Wahrnehmung des Objekts an sich auf – Farbe als Sprache oder umgekehrt. Die „Träger“ dieser Worte und Farben sind genauso wichtig, denn sie beinhalten das Wesen der konkreten Realität. Die einzigartige und bahnbrechende Position von Josef Bauers Werk zeichnet sich – in einer Welt des Massenkonsums und schneller Kommunikation – durch ernsthafte Empfindsamkeit aus. Krist Gruijthuijsen [Quelle: Einladung]

m Anschluss an die Ausstellung im Museum de Hallen in Haarlem (NL) präsentiert der Grazer Kunstverein die erste Einzelausstellung des Künstlers Christian Friedrich (geb. 1977, Freiburg, DE) in Österreich. Die Show mit dem Titel „On Something New / Dirt in a Hole“ zeigt ein Spektrum von Arbeiten, zu denen auch eine neu produzierte, großformatige Klang- und Licht-Arbeit sowie eine eindringliche, monumentale Videoinstallation und eine Serie früherer Skulpturen gehören. Friedrichs künstlerisches Interesse sind die Struktur, die Manipulation von Subjekt-Objekt-Beziehungen und die Schaffung von bestimmten Gegebenheiten innerhalb dieser, wobei eine jede dieser Konstellationen Anlass zu assoziativen Verwirrungen gibt. Ein durchgängiges Thema im Werk des Künstlers ist die Unterwerfung des menschlichen Körpers, den er regelmäßig als Objekt der Begierde zeigt, bei dem Macht und Unterordnung im Unterbewussten zusammenfallen. Seine früheren Zeichnungen und Skulpturen sind von Ursache-Wirkung-Strategien beeinflusst und untergraben damit verschiedene Traditionen der Konzeptkunst und ihre quasi-rationalen, sowohl strengen wie frivolen Methoden. Friedrichs Erkundung der Vorstellungen von „Struktur“ ist sowohl konzeptionell wie physisch zu spüren. Seine Installationen setzen affektive Strategien ästhetischer Erfahrung ein, welche den Analyse-Drang des oder der BetrachterIn umgehen. Seine Bilderwelt dreht sich häufig um private und öffentliche Vereinbarungen, darunter jene zwischen Fremden, zwischen dem Künstler und der Muse und zwischen Künstler und dem Zuschauer. Für die Videoarbeit „The Stone That the Builder Rejected“ (2008) lud Friedrich beispielsweise einen ahnungslosen Fremden, den er über eine persönliche Anzeige kontaktiert hatte, in sein Atelier ein, wo der Gast mit einer durch Stroboskoplicht ausgeleuchteten Szenografie konfrontiert war, die auch den Künstler selbst beinhaltete – bewegungsunfähig und verletzlich von der Decke aufgehängt. In „Untitled“ (2012) stellt er Bildmaterial einander gegenüber, um so Paradoxien von Freiheit und Überwältigung zu untersuchen. Als Gitter geschnittene Motive, wie ein Mann, dem in einem Keller Elektroschocks verabreicht werden, eine amerikanische Flagge, die amerikanische Nationalparade am 4. Juli, ein russisches Denkmal vom Ersten Weltkrieg und youtube-Clips privater Fetischismen erscheinen in rhythmischer Folge immer wieder, sodass ein strukturiertes und weniger diskursives Video entsteht. Dies gilt für den größten Teil der Arbeit des Künstlers, da diese häufig eher die künstlerische anstatt die referenzielle Wirkung in den Mittelpunkt stellt, wobei Friedrich aber auch vor Referenzen nicht zurückscheut. In der umfassenden Licht- und Klanginstallation „On Something new / Dirt in a hole“ wird die stakkato-artige Sprache eines Stotterers mit anderen kodierten Bedeutungssystemen verbunden: mit einer Lichtsequenz im Morse-System und Fotografien morsender Lichter. Alle Elemente der Arbeit sind in einem geheimnisvollen lingualen und sensorischen Netz miteinander verknüpft. Die Arbeit lässt auf fast unethische Weise unerwartete Schönheit entstehen. [Quelle: www.grazerkunstverein.org]

Die Hauptausstellung ist eine Einzelpräsentation des Künstlers und Kritikers Ronald Jones (geb. 1952, Vereinigte Staaten) und wird von Jason Dodge in engem Dialog mit Krist Gruijthuijsen, dem Direktor des Grazer Kunstvereins, kuratiert. Ronald Jones wurde in New York Mitte der 1980er-Jahre dadurch bekannt, dass mittels unterschiedlichen formellen und minimalistischen Sprachen Geschichte als Medium untersuchte. Durch Gegenüberstellungen historischer Ereignisse, Innovationen, Entdeckungen, Gewalt und Angst erkundet er über die Verbindung von scheinbar Unzusammenhängendem die komplexe Verflechtung von Vorfällen, wie sie unsere eigene Wahrnehmung und jene der Welt definieren. Zu seinen Materialien gehören Steven Bikos Vernehmungszimmer, das erste künstliche Herz, Stütztragen von Gefängnisgalgen sowie Teile des Pan Am Flugs 103, welcher durch einen terroristischen Anschlag über Lockerbie in Schottland zerstört wurde. Jones’ Arbeiten provozieren die Wahrnehmung von Minimalismus und Design, indem sie didaktische Methodologien einführen, die unser Verständnis von Autonomie untergraben. Ein Beispiel für die einzigartige Beziehung zwischen Inhalt und Form in Jones’ Arbeit sind seine Skulpturen aus dem Jahr 1988, welche sich Brancusis geschmeidige und elegante Ästhetik zu eigen machen und dabei als gestaltlose Bronze-Formen, die auf hölzernen Sockeln verharren, eine erhabene Schönheit zur Schau stellen. Der geschichtliche Bezug wird bewusst mobilisiert, um das hoch modernistische Erbe und jegliche noch vorhandenen Auswirkungen zu brechen. Jones’ Formen erweisen sich als vergrößerte Zellen, die mit Krebs und dem AIDS-Virus in Verbindung stehen und uns auf erschreckende Weise zu Bewusstsein über unseren Körper verhelfen, indem hier der sinnliche Empfänger zum Voyeur des Todes wird. Die Neubewertung und Neupositionierung des politischen, sozialen und wirtschaftlichen Wertes von „Objekten“ ist in der jungen zeitgenössischen Kunstproduktion zu einem zentralen Thema geworden. In diesem Sinn ist es auch zielführend, sich erneut mit Jones’ bahnbrechender Arbeit zu befassen. Diese einmalige Ausstellung ist Jones’ erste Präsentation seit seinem Rückzug als Künstler Mitte der 1950er-Jahre und versammelt ausgewählte Arbeiten aus der Lehmann Collection, der Martin Kippenberger Collection und der Artelier Collection in Graz. Die Ausstellung begleitet eine von Jason Dodge selbst herausgegebene Publikation. Darin werden die meisten von Jones Arbeiten auf persönliche und ungewöhnliche Weise reflektiert, sie wird von Motto Distribution co-publiziert und verbreitet.

Ein Malereiobjekt des isländischen Künstlers Hreinn Fridfinnsson (* 1943) als Ausgangspunkt nehmend, untersucht die Ausstellung das verletzliche Verständnis vom Selbst durch (ent-)mystifizierende Vorstellungen von Repräsentation. Fridfinnssons Kunstwerk basiert auf seinem „secrets project“, einem Langzeitprojekt von 40 Jahren, für das er in den frühen 70er Jahren in einer Zeitschrift eine Annonce aufgab, in der er um die Zusendung von Geheimnissen bat. Ein Künstler, der Geheimnisse sammelt, dachte er, wäre weniger verdächtig, Hintergedanken für die Verwendung geschützter Informationen zu haben, wenn ihm diese zukämen. Das Geheimnis, vermittelt uns Fridfinnsson möglicherweise, liegt darin, dass es keines gibt. Seine Kunst ist andererseits eine Anregung, sich vorzustellen, dass es doch Geheimnisse geben könnte. Die ausgestellten Arbeiten von Jason Dodge, Barbara Visser, Tamy Ben-Tor, Hanne Lippard und Ben Kinmont reagieren auf Fridfinnssons Projekt. [Quelle: wirtschaftsagentur.at]

Programm 15–17.30 Uhr Performance „Viertel nach Schatten“ von Mariana Castillo Deball und Carlos Sandoval, die bis 17.30 Uhr in der Grazer Innenstadt stattfinden wird. Treffpunkt: Mariahilferplatz 3 „Viertel nach Schatten“ ist von den überlieferten Bräuchen und Traditionen der Alpen inspiriert – genauer gesagt, von der in Salzburg beheimateten Tradition des Perchtenlaufes. Anders als Prozessionen stehen diese Läufe mit einer ambivalenten, weiblichen Figur (der Perchta) aus dem frühen Mittelalter in Zusammenhang, die sowohl für Dunkelheit wie Helligkeit, das Vergehen von Zeit, die planetaren Zyklen, die Rückkehr des Lebens steht. Diese mystisch-kosmologische Feier (verbunden mit dem kürzesten Tag des Jahres und damit der Rückkehr des Lichtes) wurde von der christlichen Kirche ungefähr im 17. Jahrhundert zensuriert und ein Jahrhundert später zerteilt, übernommen und schließlich akzeptiert. Heutzutage ist der Perchtenlauf eine „willkürliche“ Mischung aus christlichen Logos, der mündlichen Überlieferung des Brauchtums, zeitgenössischen, suburbanen sozialen Strukturen und uralten Traditionen, kulturellem Widerstand sowie planetaren Sternenschleifen. Castillo Deball und Sandoval wollen mit kollektiver Kreativität, Geschichte und Tradition eine Verbindung zu ihrer „geerbten“ mexikanischen Prozessionskultur (die tatsächlich nicht nur christlich ist) schaffen. Das Projekt wurde in enger Zusammenarbeit mit verschiedenen Vereinen in Graz wie auch mit den Kirchen organisiert, die sich in der Grazer Innenstadt befinden. Jeder ist eingeladen, am Umzug, der um 15 Uhr am Mariahilferplatz beginnt und um 17.30 Uhr im Burggarten endet, teilzunehmen. Dort werden dann die entsprechenden Bräuche und Requisiten in der Orangerie präsentiert. 18 Uhr Beginn der Feierlichkeiten im Burggarten und in der Orangerie mit Essen, Getränken und Konzerten. 18.30 Uhr Eröffnungsansprachen von Lisa Rücker, Stadträtin für Kultur, Umwelt und Gesundheit, Georg Mayer-Heinisch, Obmann des Vorstands des Grazer Kunstvereins, und Krist Gruijthuijsen, künstlerischer Leiter des Grazer Kunstvereins. 20 Uhr Konzert von Nils Bech 21 Uhr Konzert von Dorit Chrysler mit Gregor Schmoll