Galerie 2C for Art

Theoretisch und thematisch setzte sich Julian Khol in der jüngsten Vergangenheit mit Erkenntnissen der Neurowissenschaft auseinander. Erinnerungen und Augenblicke, die verschüttet geglaubt waren, trotzdem aber die Zukunft beeinflussen, liefern Julian Khol die Inspiration und Vorgaben für seine jüngsten Arbeiten, die er in drei Serien Human Planets, Memories of the Future und On the Tip of my Tongue präsentiert. Alle drei Werkzyklen kreisen um Erlebnisse, Momente, Beziehungen, die Khol bewegen, und die er in poetischer Form auf den Bildträger, die Leinwand übersetzt. Der Schaffensprozess ist komplex. Ausgehend von einem Bild im Kopf, dass sich manifestiert hat und den Künstler fasziniert, beginnt die Auseinandersetzung mit der Frage nach der Übersetzung, dem Fertigen eines verständlichen Skriptums für den Malprozess, denn das Bild im Kopf wird nicht Eins zu Eins auf die Leinwand übertragen. Die Formfindung ist wichtig, um das Gedankenkonstrukt in eine Bildsprache zu transferieren. Der Grundgedanke wird in Form eines anderen Gegenstandes oder einer völlig neuen Farbfindung dargestellt. Die Serie Human Planets zeigt dies pronociert und mit großer Bestimmtheit. Sie entstand in den letzten drei Monaten, im Zeitraum Dezember 2016 bis März 2017. Geschlossene Formen und starke Farben zeigen, dass Khol sein tiefstes Inneres durchforstet. So sind die Arbeiten eine Übersetzung seiner Gedanken zu Menschen, die ihn sein Leben lang begleiten, seine Partnerin, seine Kinder, die wie Planeten in der Umlaufbahn umeinander kreisen, sich anziehen, die Gesetze der Gravitation befolgen und somit auch wieder Triebmittel der Zeit sind. Der Kosmos löst die Form auf, die sich nahezu vom Grund abhebt. Die Leichtigkeit des Umkreisens der Planeten und die Spannung der Gravitation sind ausdrucksstark wiedergegeben. On the Tip of my Tongue (Es liegt mir auf der Zunge) beschreibt den Prozess des Nicht-Greifen-Könnens. Khol fragt Zeitpunkte ab, die sich als sogenannte Engramme, in unser Gedächtnis einschreiben. Diese Reizeinwirkungen hinterlassen strukturelle Veränderungen im menschlichen Gehirn. Bedeutsame Augenblicke die Assoziationen hervorrufen, Gerüche, Landschaften, Momente, die auf Reisen einprägsam waren, oder auch die Bewegung der Pflanzen im Wind, die nicht mehr verortet oder zeitlich einordenbar sind, transportiert er als Idee und fertigt ein Abbild davon. Auf Kreidegrund malt er zarte Blumen. Die Pflanzen sind kaum greifbar, nah, aber behutsam und sacht in einen Schleier des beinahe Vergessenen gehüllt. Die Bewegung der Pflanzen im Wind ist als Bild gespeichert und als Übersetzung auf den Kreidegrund übertragen. Ein wenig paradox klingt der Titel der dritten Serie Memories of the Future, der eine contradictio in adjecto, also einen unmittelbaren Widerspruch in sich, darstellt und uns zum Hinterfragen einlädt. Die Erinnerungen entsprechen nicht dem Sinn der Definition von Zukunft. Den Titel setzt Khol als rhetorisches Stilmittel ein. In dieser Serie versucht er Wahrnehmungsprozesse abzubilden, Erinnerungen zu wecken und auch zu erzeugen, die vielleicht verschüttet sind und die Zukunft mitbeeinflussen. Ganz klar, in schnellen und konkret gesetzten Strichen, setzen sich die gelben Pflanzenstile und farbig-zarten Blütenköpfe und Knospen vom nebulösen grauen Hintergrund ab. Im ersten Moment nicht thematisch verwandt ist diese Serie doch eine andere Übersetzung der Arbeiten aus On the Tip of my Tongue. Khol findet ein weiteres Sprachmodul, um das Dargestellte elegant als dynamische Erinnerung und Zukunftsvision zugleich zu malen. Martina Pohn, März 2017 [Quelle: http://www.2cforart.at/]

Nach 5 Jahren in der Rainerstraße geht für uns ein Abschnitt zu Ende. Wir haben neue Räumlichkeiten für unsere Galerie gefunden und werden im Dezember 2017 in die Münzgasse übersiedeln. Die erste Ausstellung in der neuen Galerie wird Anfang 2018 stattfinden, natürlich werden wir Sie darüber wie gewohnt informieren und freuen uns schon jetzt darauf, Sie in unserer neuen Galerie begrüßen zu dürfen! Zur letzten Ausstellungseröffnung in der Rainerstraße haben wir uns etwas Besonderes einfallen lassen. Das Street Art Kollektiv 3Steps wird im Rahmen einer Performance die Galerie einer Transformation unterwerfen und die offene Straße in den geschlossenen Raum holen. Mit verschiedenen Street Art Techniken wie Schablonen, Kleister und Poster, Farben und Pinsel sowie Siebdruck und Graffiti wird ein großformatiges Collagen-Werk über den Abend live entstehen. Die Vernissage findet am Samstag, 07. Oktober ab 18:00 Uhr statt. Die Arbeiten von 3Steps haben ihren Ursprung in der Mural Art und Street Art. Das Kollektiv gestaltet farbengewaltige Gemälde in Neo Pop auf Hausfassaden und Mauern sowie zahlreichen bemalbaren Medien. Das Portfolio von 3Steps umfasst Arbeiten von Mural Art über Street Art, Gemälden auf Holz und Leinwand, Fotografien und Drucken bis hin zu Installationen. Gemäldearbeiten entstehen oftmals aus einer Collage von Zeitschriften, Fotografien, Schablonen, Sprühlacken, Acryl- und Hartlacken sowie Siebdruck auf Holz oder Leinwand. [Quelle: http://www.2cforart.at/]

Ab 19. Juli präsentiert die Galerie 2CforART in Salzburg eine Gruppenausstellung mit Schwerpunkt auf Arbeiten von Julian Opie. Ebenfalls zu sehen: limitierte Editionen von Jim Dine, einem der letzten lebenden Hauptvertreter der Pop Art sowie Arbeiten von Keith Haring, Roy Lichtenstein und Andy Warhol. Die Vernissage findet am Mittwoch, 19. Juli ab 18:00 Uhr statt. Julian Opie ist zweifellos einer der bekanntesten zeitgenössischen britischen Künstler. Ausgangspunkt für Julian Opies Arbeiten sind Fotos der dargestellten Personen, die er danach digital manipuliert. Opie reduziert Gesichtszüge und Körper mit schwarzen Konturlinien auf das Wesentliche, ohne dass die charakteristische Eigenart der dargestellten Person verloren geht. Diese scheinen durch die plakative Vereinfachung noch deutlicher hervorzutreten, wie bei der Covergestaltung des Best-of-Blur-Albums. Julian Opie: „In meinen Portraits geht es darum, “dass ein Bild lebendig ist, etwas Lebendiges, Reales wiedergibt. Meisterwerke in einem Museum sehen manchmal beängstigend lebendig aus. Und das ist die Kraft, wenn man jemand malt: nämlich dass dieses Porträt lebendig werden kann. Wenn ich etwas mache, sollte es für sich selbst sprechen. Man sollte keinen Text oder Titel brauchen, um zu verstehen, worum es geht: Das wäre für mich wie ein Scheitern, als ob etwas fehlte!” Keith Harings Arbeiten erlebten in den letzten Jahren mit dem Aufkommen der Street Art eine Renaissance, war Haring doch der erste Künstler, der seine Arbeiten in den New Yorker Clubs, auf den Straßen und auf leeren Plakatflächen der New Yorker U-Bahn präsentierte. Andererseits war Harings Arbeit stark von Graffiti beeinflusst. Seinen Stil charakterisierten Einfachheit, Klarheit und Schnelligkeit. Mit viel Energie und Durchsetzungskraft verstand es Haring, Aufmerksamkeit zu erregen, vor allem mittels seiner allegorischen Figuren. 1988 begann sich Harings “helle Welt” auf Grund seiner Aids-Erkrankung zu verfinstern. Selbst von der Krankheit betroffen, stürzte sich Haring bis zuletzt unermüdlich und wie besessen in seine künstlerische Arbeit, bevor er 1990 im Alter von nur 31 Jahren starb. Arbeiten von Roy Lichtenstein und Andy Warhol sind als die bekanntesten Vertreter der Pop Art ebenfalls Teil der Ausstellung. Lichtensteins Crak! stammt aus dem Jahr 1964 und war sein erst zweites druckgraphisches Werk, das er realisierte, viele weitere sollten folgen. Crak! bleibt für sein Schaffen beispielhaft: in seiner eigenen und unverwechselbaren Bildsprache übernimmt er mit den Comic-Szenen auch die Rasterpunkte, schwarze Umrisse, kräftige Farben, makellose Gesichter und die Sprechblase. Andy Warhol ist der Inbegriff und die Ikone der Pop Art, heuer jährt sich sein Todestag zum 30sten Mal. Mit Fug und Recht kann behauptet werden, dass Andy Warhol eine kunstgeschichtliche Revolution eingeleitet hat. Durch die Verwendung des Siebdrucks vervielfältigte er seine Motive, variierte sie in verschiedenen Farbkombinationen und schuf so reproduzierbare und für jeden Menschen erschwingliche Kunst. Teil der Ausstellung sind einige seiner weltberühmten Ikonen des 20. Jahrhunderts: Flowers und Campbell’s Soups. Jim Dine ist seit mehr als 60 Jahren künstlerisch aktiv. 1959 zog er nach New York und wurde dort ebenfalls zu einem Hauptvertreter der Pop Art. Mittlerweile ist er einer der noch wenigen lebenden Vertreter. Jim Dine ist aber auch Dichter, in diesem Jahr erschien seine neue Serie „Poet Singing“, 2 Arbeiten davon wurden in Apleton im Burgenland produziert. [Quelle: http://www.2cforart.at/]

Auf den ersten Blick nimmt man in Rothmunds Werken eine intensive Leere wahr. Die Räume von Julia Rothmund weisen keine Gegenstände auf. Keine Gebrauchsspuren weisen auf vergangene oder künftige Nutzung und mögliche Funktionen hin. Die hintergründig leuchtende Farbigkeit aus dutzenden Lasurschichten verwandelt die Räume in einen Zustand außerhalb der Zeit. Sie lassen sich nicht verorten, weder räumlich noch historisch. Bestechend sind bei einer ersten oberflächlichen Betrachtung ihre souveräne handwerkliche Qualität, der sensible Umgang mit dem malerischen Material. Kein Pinselstrich ist zu erkennen, die Bilder scheinen lediglich aus Licht und atmosphärischen Flächen zu bestehen. Auf den zweiten Blick erweisen sich die Bilder von Julia Rothmund nicht als Darstellungen von Leere als bloßes Vakuum, sondern als in besonderer Weise gefüllt. Die Präsenz des Lichts ist ein wesentlicher Inhalt dieser Bilder. Auf jedem Bild wird das Zusammenfließen und Gegeneinanderwirken des durch die Fenster der Räume einströmenden Außenlichts auf der einen Seite und des von den farbigen Lasuren ausgehenden Bildlichts auf der anderen Seite unterschiedlich neu erarbeitet. Es geht um eine reduzierte Darstellung des Lichts und damit der Zeit. Die Dimension der Zeit fließt in diese Bilder auch durch den monatelangen Arbeitsprozess ein, in dem unzählige Lasurschichten in horizontaler Lagerung der Leinwand jeweils erst trocknen müssen, bevor eine darüber gelegte, weitere Lasurschicht das von dieser differenzierten Farbigkeit erzeugte Bildlicht nochmals fast unmerklich modifiziert. Sowohl der serielle Charakter der Malerei von Julia Rothmund, das Arbeiten in Bilderreihen, ist in diesem monatelangen Arbeitsprozess angelegt als auch das Bestreben nach einer immer weitergehenden Differenzierung von Licht und Zeit. In dritter Hinsicht sind diese Räume sehr konkret. Man spürt als Betrachter, dass sie nicht konstruktiv entworfen und auch nicht einfach erdacht sind, sondern dass diese Bilder auf der Wiedergabe existierender Räume beruhen. Die Gemälde sind durchaus in der Realität verankert. Julia Rothmund ist die Erschaffung einer ganz ungewöhnlichen Bildkonzeption gelungen, die sie eigenständig und hartnäckig erforscht in immer neuen überraschenden Bildlösungen, stets auf der Suche nach neuen Darstellungsformen von Raum und Zeit, Leere und Fülle, Farbe und Licht. Julia Rothmund: Das Faszinierende an der Konzentriertheit auf Farbe und Licht im leeren Raum ist für mich das daraus hervorgehende Moment der Entschleunigung. Entgegen der visuellen Reizüberflutung, Geschwindigkeit und Lautstärke unserer heutigen Welt beabsichtige ich in meiner Malerei ein Gegenbild kontemplativer Ruhe. Grundlage der Gemälde bilden ausführliche Besuche dieser Gebäude, die das Interesse der Künstlerin aus historischen und emotionalen Gründen wecken. Es handelt sich um Orte, an denen sich der Umbruch von scheinbarer Normalität zur Implosion des Lebens einmal ereignet hat. Bei der Illenau (Achern, Baden) handelt es sich um eine ehemalige psychiatrische Heilanstalt, während die Bilder der Serie Beelitz Räume einer einstigen Lungenheilanstalt (in Brandenburg) zeigen. In mehrtägiger Arbeit entstehen vor Ort Fotografien, die den Dialog von Außenlicht und Dunkelheit im Raum festhalten und die den Ausgangspunkt für die spätere Darstellung des Lichts auf der im Gemälde wiedergegebenen Raumsituation bildet. [Quelle: http://www.2cforart.at/]

Zweifellos sind Florian Fauschs Bilder utopische Architekturlandschaften, deren Regeln nach eigenen Gesetzmäßigkeiten funktionieren; es sind Orte und Nicht-Orte zugleich, die um den Begriff des Bildes kreisen. Vertraut und doch so fremd laden sie dazu ein, sich offenen Auges im Bildraum zu verlieren. In den menschenleeren, rätselhaften Gemälden und Papierarbeiten gibt es nicht nur ein Oben und Unten, ein Rechts und Links, einen Vorder- und Hintergrund. Hier treffen Interieurs auf Glasfronten, Treppenaufgänge auf Hochhausfassaden, Bergketten auf Topfpflanzen. Landschaft und Innenräume werden aufgefächert und gesplittet, verzahnen sich mit- und ineinander zu etwas gänzlich Neuem. Klar umrissene scharfe Linien definieren architektonische Elemente, die sich wiederum in ungegenständlichen Motiven verlieren. So entsteht eine Gleichzeitigkeit verschiedener Ebenen und Malweisen. Florian Fauschs Arbeiten siedeln sich im Grenzbereich zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion an. Die kantigen Formen erinnern an die Schnitttechniken von Collagen oder Schablonen, die für geometrische Kompositionen genutzt werden. Zur Bildfindung bedient er sich der Collagetechnik, aber in einer zeitgenössischen Form. Zeitschriften, Computerspiele und Internet dienen dem Künstler mit ihren gigantischen Bildarchiven als Fundus. Als so genannter “digital native” geht er nicht nur im Internet auf Motivsuche, die elektronischen Möglichkeiten dienen ihm ganz selbstverständlich auch als Arbeitsinstrument in Bezug auf den Bildaufbau, der teilweise am Computer entsteht und in einem weiteren Schritt auf die Leinwand oder das Papier übertragen wird. Während des Malprozesses verweben sich die Fragmente des Angeeigneten mit eigenen Ideen; Realität und Utopie verschmelzen zu einer dynamischen Gesamtwirkung. Bei Florian Fausch wird die Architektur zur Abstraktion der Farbe. Räumlichkeit und Tiefenwirkung entstehen aus dem bewussten Einsatz einer ungewöhnlichen, kontrastierend-leuchtenden Farbpalette, aber auch durch die besondere Malweise. Er trägt die Ölfarbe in dünnen, transparenten Lagen übereinander auf, so dass die unterschiedlichen Bildschichten wahrnehmbar werden. An gewissen Stellen schimmert die Leinwand noch durch und lässt einen Blick auf den Malgrund zu. Durch die Farbschichten mit ihren Leerstellen wird das Bild in seiner Körperlichkeit fassbar. Gleichzeitig gelingt es dem in Düsseldorf ausgebildeten Maler, mit dem Bildaufbau eine illusionistische Wirkung zu erzeugen, so dass sich tatsächlicher und vorgetäuschter Raum begegnen. Seine Kompositionen zeugen von einem spezifischen Interesse für die Randzonen der Malerei. Florian Fausch wurde 1981 in Zürich geboren. Sein Studium an der Kunstakademie Düsseldorf absolvierte er 2008 bei Prof. Anzinger mit der Meisterschüler Auszeichnung. Text: Katrin Weilemann [Quelle: http://www.2cforart.at/]