(In)Visiblities

Das Berliner Künstler-Duo Folke Köbberling und Martin Kaltwasser verwendet in seinen Arbeiten Restmaterialien, die es auf Baustellen, in Haushalten und in der Landschaft findet, und bringt sie in neuer Gestalt wieder in diese Umgebungen zurück. Köbberling/Kaltwasser werfen einen kritischen Blick auf die Verwertung als Prozess des dauernden Wandels. Sie fügen diesem aber etwas Produktives zu, geprägt von Teilhabe als auch von Zufälligem und Provisorischem. Veredelung/Upgrading ist ein gigantischer Baum aus Recyclingmaterialien im Holzmuseum Murau, der in der Holzregion in Frage stellt, wieviel Holz heute überhaupt noch in „Holz" ist. Denn die Grundlage dieses Kunstwerks sind Materialien die über den Projektzeitraum von 15 Jahren zusammengetragen wurden. Veredelung/Upgrading ist zugleich eine Referenz an die Kunstgeschichte und die Zeit des romantischen Verständnisses für Natur, denn der neue, gebaute Baum im Holzmuseum basiert auf einer Zeichnung von Caspar David Friedrich. [Quelle: www.regionale12.at]

Der Fokus der Gruppenausstellung "To do" liegt auf künstlerischen Großprojekten wie temporären Installationen, Performances, architektonischen Interventionen und Arbeiten im öffentlichen Raum. Ausgestellt werden die projektbegleitenden Arbeiten, die während des Entwicklungsprozesses oder der konkreten Umsetzung entstehen. Der Ausstellungstitel ist Programm; im Mittelpunkt steht, was „zu tun“ ist auf dem oft langen Weg von der ersten Idee bis zur Realisierung. [Quelle: e-Einladung]

Ergebnisse des Künstlersymposiums in Strobl/Wolfgangsee. In Kooperation mit der Kulturabteilung des Landes Salzburg

Im Herbst 2003 wird im FORUM STADTPARK permanent präsentiert, diskutiert, geforscht und geschöpft. Die räumliche und inhaltliche Dramaturgie gestalten neun KünstlerInnen/Teams aus sechs Ländern, deren interdisziplinäre Arbeitsmethoden ein kontinuierliches Ringen um Positionierungen zwischen Public Space, Science and Society versprechen. Die beteiligten KünstlerInnen entwickelten ihre Arbeiten im Rahmen von AiR_port, dem Artists-in-Residence Programm des FORUM STADTPARK, das 2001 eingerichtet und durch Graz 2003 - Kulturhauptstadt Europas finanziell ermöglicht wurde. takeOFF 2 vereint die von den neun StipendiatInnen/Teams des Jahres 2003 erarbeiteten Werke zu einer gemeinsamen Schau, die in ein umfassendes theoretisches und künstlerisches Rahmenprogramm eingebunden ist. Alle StipendiatInnen haben während ihres ein- bis dreimonatigen Aufenthalts in Graz konkret oder assoziativ auf die lokalen soziokulturellen Strukturen reagiert und städtische Störzonen, Aneignungsstrategien und Ausgrenzungsmechanismen aufgespürt. So wird etwa die Stadt, geprägt von ihrer Nähe zum Südosten Europas, auf ihre Umgangsformen mit dem Fremden untersucht, ihr Image zwischen historischer Bedeutsamkeit und Provinzialität erkundet oder der Stadtraum als dichter Repräsentant gesellschaftlicher Machtverhältnisse und Ort verschärfter sozialer Kontrolle gelesen und kritisiert. (Aussendungstext)

Temporäre Kunst im Stadtraum von Wiener Neustadt

Das Projekt raumsichten erweitert die deutsch-niederländische kunstwegen-Route entlang der Vechte von Nordhorn bis an die nordrheinwestfälische Grenze. Während kunstwegen die Geschichte und Landschaft der Region aufgreift, entwickelt raumsichten künstlerische Visionen für die Zukunft. Die Vorschläge basieren auf zwei Arbeitsforen, in denen die ausgewählten Künstlerinnen und Künstler mit Planern, Architekten und Vertretern der Verwaltung der Grafschaft Bentheim in einen Dialog über die künftige Gestaltung des Gebiets entlang der Vechte traten. Während Planung und Verwaltung an Notwendigkeiten, Vorschriften und wirtschaftliche wie ökologische Interessen gebunden sind, arbeiten Künstlerinnen und Künstler mit ihren Mitteln reflektierend, unabhängig und kreativ. Sie entwickeln neue Handlungsformen, künstlerische Strategien für den Umgang mit ökologischen und ökonomischen Notwendigkeiten und zeigen auf, wie Planung überhaupt funktioniert. Im Dialog dieser beiden unterschiedlichen Interessensgruppen liegt die Spannung und der Erfolg dieses Projekts. [Quelle: www.staedtische-galerie.nordhorn.de]

Eine Ausstellung der AG Learning from* der Neuen Gesellschat für Bildende Kunst/NGBK, Berlin.

Es gilt als des Menschen liebstes Spielzeug - das Auto. Als Kultobjekt und Symbol für individuelle Freiheit ist es das Medium der Mobilität par excellence sowie Ausdrucksträger für Lifestyle und Luxus. Gleichzeitig steht das Auto für die Gefährdung unseres Planeten: Raubbau an Ressourcen, Umweltzerstörung, Verkehrsinfarkt, Unfälle. Und auf der lebenspraktischen Ebene des Alltags: Ärger mit Parkplatznot, teuren Mechanikerstunden, Dränglern auf der Autobahn, immer höheren Spritpreisen. Dann wieder die Lust am neuen Wagen: Jetzt geht's los! Die Attraktivität des Autos bleibt ungebrochen. Wie lange kann das noch funktionieren?, fragen wir uns besorgt - und steigen ein. Ein Objekt, welches im Leben des Einzelnen eine ebenso große Rolle spielt wie in technischen, wirtschaftlichen, ästhetischen, stadt- und verkehrsplanerischen Kontexten muss Künstlerinnen und Künstler zwangsläufig interessieren. Wolf Vostell 1969: "Das Auto ist die Plastik des 20. Jahrhunderts." Bis heute widmen sich erstaunlich viele KünstlerInnen dem Auto: liebevoll, kritisch, intelligent, mit Augenzwinkern. Der große Ausstellungssaal des Museums wird zum Parkplatz, auf dem sich künstlerische Vehikel ein Stelldichein geben. Aufgeladene Luxusobjekte wie Porsche und Ferrari werden schonungslos bearbeitet und ihrer Qualitäten entledigt, um als dysfunktionale Doppelgänger wiederzuerstehen. Gesellschaftshistorisch relevante Rollen von ikonischen Modellen wie "Trabbi", VW-Käfer oder Mercedes Benz werden verdeutlicht, während verspielte Veränderungen an Nutzfahrzeugen verborgene Konnotationen offensichtlich machen. Die Schau zeigt die soziale, künstlerische und wirtschaftliche Relevanz des Auto-Kults aus künstlerischer Perspektive - kritisch, verblüffend und unterhaltsam. Die Ausstellung wurde vom ZKM | Medienmuseum in Karlsruhe anlässlich des 125-jährigen Jubiläums des Automobils im Jahr 2011 konzipiert (Kuratoren: Peter Weibel, Bernhard Serexhe). [Quelle: www.lentos.at]

Eröffnung: 16. November 2015, 18 Uhr Begrüßung: Bettina Leidl Zur Ausstellung: Robert Punkenhofer und Ursula Maria Probst Performances: Bernhard Cella und tat ort Laut der amerikanischen Soziologin und Wirtschaftswissenschaftlerin Saskia Sassen schafft ein entfesselter Weltmarkt – etwa im Bereich der Finanzproduktion – die Bedingungen dafür, dass sich Menschen in einer ihren privaten Interessen dienlichen Umgebung einrichten, in der das Gemeinwohl verkümmert. Sukzessive führte die Privatisierung öffentlicher Räume und Güter in den vergangenen Jahren zu einer Verschiebung dessen, was als Gemeingut – „Common Good“ – verstanden wird. Jeder von uns sieht sich angesichts der globalen soziokulturellen und ökopolitischen Umwälzungen vor neue Herausforderungen gestellt. „Keiner ist eine Insel für sich“, so der Appell eines jüngst von der Künstlerin Ramesch Daha und der Politikjournalistin Susanne Scholl gestalteten Plakatsujets im öffentlichen Raum. Die Idee des Gemeinwohls – „Common Good“ – gründet in der gemeinsamen Nutzung von Ressourcen wie Luft, öffentlicher Räume und Dienstleistungen, Gesundheit, Bildung, Forschung, Internet und kultureller Einrichtungen. Gemeingüter bilden wesentliche Grundlagen für das Überleben von Gesellschaften. Der griechische Philosoph Aristoteles verstand unter Gemeinwohl das größte Glück einer möglichst großen Anzahl von Menschen. Der Neoliberalismus sieht dagegen in der individuellen Freiheit das Gemeinwohl am stärksten verwirklicht. Flüchtlingsbewegungen, Verteilungskrisen, Jugendarbeitslosigkeit, teils ausgelöst durch systemimmanente Korruption und Lobbyismus, verlangen eine umfassende Umstrukturierung politischer Verhältnisse und lassen den Ruf nach einem neuen öffentlichen Bewusstsein von Gemeinwohl laut werden. Hohe Staatsdefizite sind das Resultat massiver Hilfen für den Finanzsektor. Dafür verfolgen Staat und Staatengemeinschaft gezielt Über-Ich-Strategien. Angesichts des derzeit dominierenden Systems der neoliberalen Marktwirtschaft und deren Ausrichtung auf Gewinnmaximierung stellt sich die dringende Frage nach Alternativen. Denn der Ausnahmezustand droht zum Dauerzustand zu werden. Als die Entscheidung für den Ausstellungstitel „Creating Common Good“ fiel, war noch nicht klar, mit welcher Dynamik die weltpolitische Situation spürbar auf unser Leben einwirken würde. Am Engagement der Zivilgesellschaft und am Versagen der Politik im Krisenmanagement zeigt sich, dass Worte hier mehr zählen als Taten. Umso wichtiger ist es, sich der Frage des „Creating Common Good“ in der Ausstellung aus verschiedensten künstlerischen Blickwickeln zu nähern – von der Auseinandersetzung mit alternativen Mikrosystemen über Gentrifizierungsprozesse und die unmittelbare Betroffenheit angesichts von Flüchtlingsbewegungen bis hin zur Kritik an der Reduktion budgetärer Mittel für Bildung und Kultur. Welchen Beitrag leistet die Kunst, leisten durch Kunstschaffende initiierte Projekte für das Gemeinwohl unserer Gesellschaft? Wie sehr haben sich ursprünglich im Zuständigkeitsbereich der Politik liegende Agenden in den Kunstbereich, in dessen Diskurs über die gegenwärtige „politische Landschaft“ verlagert? Die an der Ausstellung beteiligten Künstlerinnen, Künstler und Kollektive appellieren nicht nur an mehr politisches Verantwortungsbewusstsein, machen sich nicht nur für Menschenwürde, Solidarität und Gerechtigkeit stark. Sie lassen vielmehr neue Kriterien und Fragen zur gemeinsamen Schaffung und Nutzung von Ressourcen einfließen, gestalten Gegenentwürfe zum Establishment und setzen sich den ethischen Anspruch, Gesellschaft selbst zu gestalten. [Quelle: http://www.kunsthauswien.com]

Die Endlichkeit der Energiereserven, der drohende Klimawandel, das Schwinden der Biodiversität sind auch schon vor den gescheiterten Weltklimagipfeln in Kopenhagen und Cancún, als Beunruhigung tief in die öffentliche Wahrnehmung eingedrungen. Nach den Gipfeln stellt sich dringlicher denn je die Frage nach individuellen Handlungsmöglichkeiten. Wir brauchen Visionen eines zukunftsfähigen Lebens, die sich mit Sinn(lichkeit), Lust und Leidenschaft des eigenen Handelns verbinden. zur nachahmung empfohlen! rückt die kulturelle und ästhetische Dimension der Nachhaltigkeit ins Sinnenbewusstsein, um so der beobachtbaren Vernutzung des Begriffs entgegen zu wirken. Sie sensibilisiert dafür, dass Nachhaltigkeit, die sich als gestaltend versteht, nicht ohne die Künste und Wissenschaften auskommt; von ihnen ist das Denken in Übergängen, Provisorien, Modellen und Projekten zu lernen. Künstlerische Fragestellungen und Handlungskonzepte zielen zunehmend auf die vielschichtigen Handlungsfelder der Ökologie und immer stärker darauf, ihren gesellschaftlichen Resonanzraum zu vergrößern. Nachhaltigkeit braucht einen Entwicklungsraum, in dem sich die multiplen Verknüpfungen des vorhandenen Reichtums an Wissen und Erfahrung in den Künsten und Wissenschaften erst wirklich entfalten können und gleichzeitig die Idee, dass jede|r Einzelne daran Anteil haben kann. zur nachahmung empfohlen! expeditionen in ästhetik und nachhaltigkeit ist die erste umfassende Ausstellung in der Bundesrepublik, die die kulturelle Dimension von Nachhaltigkeit ins Zentrum rückt, indem sie die Verbindungen von Nachhaltigkeit mit Ästhetik herstellt. Über 40 nationale und internationale Positionen aus Kunst, Wissenschaft, Film und Architektur stellen sich den Fragen des Weiterlebens auf dem in jeder Hinsicht gefährdeten Planeten. Sie zeigt künstlerische Praktiken, die zur Erhaltung des Planeten beitragen und Einfluss auf bewusstes Konsumverhalten nehmen wollen, ökonomisch rentabel sind und künstlerische Positionen, in denen sich die Grenzen zwischen Kunst, Aktivismus und Erfindungen auflösen, und sich die Erfahrungen und Arbeitsweisen von Umweltinitiativen mit künstlerischen Herangehensweisen verbinden. Nachhaltigkeit braucht Wahrnehmungserweiterung im Zusammenwirken. Dafür werden bewusst die Grenzen zwischen künstlerischer und technischer Kreativität aufgehoben, zwischen Machbarkeit und Idee. Die Sinnlichkeit ist das verbindende Element in den Werken und Präsentationen bildender KünstlerInnen, ErfinderInnen und WissenschaftlerInnen genauso wie in modellhaften Arbeiten aus Design und Architektur, aber auch in Beispielen nachhaltigen Wirtschaftens, die auf ihre je eigene Weise die individuelle Dimension des Handelns herausfordern. Neben technischen Innovationen und Werkstoffen werden partizipatorische Projekte und Netzwerke vorgestellt auf dem Gebiet der erneuerbaren Energien, zu Wasser und Klimawandel, Ökologie und Re | Upcycling. Integraler Bestandteil des Konzepts ist, die Ausstellung touren zu lassen, um sie so der Schnelllebigkeit des Kunstmarktes zu entziehen und an jedem weiteren Ausstellungsort die Eigenheiten der lokalen, künstlerischen, wissenschaftlichen und der umweltaktivistischen Kompetenz einzuflechten. Nach dem Auftakt in den Uferhallen in Berlin-Wedding, war zur nachahmung empfohlen! im Kunstverein Gartow, im Umweltbundesamt und der Bauhausuniversität Dessau, zeitgleich in den drei bayrischen Kunstvereinen Pfaffenhofen, Ingolstadt und Neuburg. Bis Ende August 2011 war die Ausstellung im Wasserturm Bremen zu Gast nun, seit dem 9.9. 2011 ist sie in Hamburg, im Überseequartier der HafenCity. 2012 führen uns die Expeditionen nach Bombay, nach Addis Abeba und Peking. 2013 nach Sao Paulo und Puebla, Mexiko. In 2014 reist zur nachahmung empfohlen! vorraussichtlich nach Essen. Wir freuen uns über große Anerkennung für die anspruchsvolle Publikation, erschienen bei Hatje Cantz. Sie erhielt den Art Directors Club Award 2011 und den red-dot-award 2011 in der Kategorie editorial-design. Und für ein Kunstprojekt ungewöhnlich, wurde zur nachahmung empfohlen! mit zwei Umweltpreisen ausgezeichnet: mit dem Mediensonderpreis der Deutschen Umwelthilfe und als Projekt der Werkstatt N des Rates für nachhaltige Entwicklung. zur nachahmung empfohlen wurde auch von der Deutschen UNESCO-Kommission als Projekt der UN-Dekade 2014 Bildung für nachhaltige Entwicklung (BNE) ausgezeichnen. [Quelle: http://www.z-n-e.info]