João Mauro/Rafael Reverón-Pojan

Julischka Stengele & Maren Blume stehen in ihrer Schau „Wie die sich wieder aufführen“ auf sehr unterschiedliche Weise für die Erlangung von Handlungsmacht ein – mit körperlichem Einsatz. Gemeinsam ist den beiden im queer-feministischen Feld agierenden Künstlerinnen, dass sie ihren/den Körper als Träger gelebter Erfahrung ins Spiel bringen, wenn es um Ausschluss oder Normierungen von Repräsentationen, Wissen und Wissensformen, Personen und nicht zuletzt von Körpern selbst geht. Ziel: Handlungsmacht! Widerspenstig, unerhört, vorlaut! Julischka Stengele stellt ihren eigenen, mächtigen Körper ins Zentrum ihrer künstlerischen Arbeit. In der Performance „Musenaufstand“ bricht die Künstlerin mit Sehgewohnheiten und Sichtweisen. Sie hinterfragt gesellschaftliche Positionierungen und verändert Blickachsen, kehrt Machtverhältnisse um und inszeniert neue, ungewohnte Settings. Was bewirkt die Änderung von Positionen in Gesellschaft und Politik? Wie verortet sich der Mensch im sozialen Umfeld? Was macht ihn sichtbar oder unsichtbar? Sehen oder gesehen werden? Julischka Stengele bringt in ihre künstlerischen Statements die volle physische Präsenz ihres Körpers ein. Stengele, die seit über zwölf Jahren als Aktmodell arbeitet, inszeniert ihren Körper als skulpturales Objekt. Die Bühne und das Podest geben ihr die Gelegenheit, eine Umkehrung der Machtverhältnisse zu provozieren. Zwar setzt sie ihren Körper den Blicken aus, aber das Publikum muss damit rechnen, dass sie zurückblickt und die gleichen Bewertungen und Maßstäbe anlegt wie es selbst. Sie verschiebt die Ebenen und vollzieht einen inneren Positionswechsel. Aus der stumm gemachten Muse wird ein selbstbestimmtes Individuum. Mit feinem Humor setzt sie konventionellen Sichtweisen und Sehgewohnheiten eigene Bilder entgegen: unangepasst, lustvoll und bestärkend. Kuratorin Christiane Krejs überzeugte an Stengeles Arbeit, dass die Künstlerin Blickregimes und -hierarchien durchbricht und die stets brennende Frage „Was macht Kunst zur Kunst?“ aktualisiert. Körper – Wissen – Macht: Maren Blume beschäftigt sich seit langem mit dieser in Wechselwirkung stehenden Trias. Über der Auseinandersetzung damit entwickelte sich das Interesse der Künstlerin am Körper als Archiv. Blume versteht ihn als Speicher von Informationen, Emotionen, Theorien oder Geschichten. In ihrer forschenden Praxis ist sie von der Theoretikerin Diana Taylor und ihrer Sicht des Körpers als „verkörpertes“ Wissen beeinflusst. Blumes künstlerische Position ist für den Kunstraum ein spannender Denkansatz zum Thema (Performance-)Archiv. Sie thematisiert und erprobt die Un/Möglichkeiten der Dokumentation von Performance sowie die Weitergabe und Wiederholung von verkörperten kulturellen Wissens- und Erinnerungspraxen. Maren Blume zeigt zur Ausstellungseröffnung den performativen Vortrag “But they don’t seem to go away”. Dabei stellt sie den handelnden, sprechenden, fühlenden und denkenden Körper als Agenten in den Mittelpunkt der Wissensproduktion. Ihre Performance bewegt sich im Spannungsfeld der Hierarchien zwischen akademischer Textproduktion, gelebter Erfahrung sowie Kunst und ihrer Vermittlung. [Quelle: www.kunstraum.net]

Wer am 11. September 2014 den Kunstraum Niederoesterreich besucht, wird ihn leer vorfinden. Die Ausstellung ist eröffnet, doch die Werke fehlen. Gestapelte Plakate setzen ein Murmeln in Gang: Sie erzählen von 13 märchenhaften Expeditionen, die am darauffolgenden Tag ihren Anfang finden werden. Unsere Künstler_innen starten an verschiedenen Punkten Niederösterreichs, schlagen sich durch ein selbstgewähltes, natürliches oder urbanes Dickicht und erreichen eine Woche später den Kunstraum im Herzen von Wien. Von ihrer Wanderung bringen sie Begegnungen, Gerüchte und künstlerische Beute mit. Sie tun es dem Grimm'schen Hans nach und vertrauen sich sieben Tage lang dem Weg an. Hans ist der Held unserer Ausstellung, denn er ist im besten Sinne unbedarft. Er verfällt weder der Vergangenheit noch der Zukunft, sodass er ganz und gar der Gegenwart gehört. Er respektiert seine Impulse und verwandelt, was er mit sich trägt. Er tut dies ohne jede Strategie, er setzt Schritt um Schritt, ohne Vorausschau auf das letzte Ergebnis seiner Verwandlungen. Menschen der Kunst stehen diesem Prozess nahe, geht er doch zahllosen Werken voraus. Und doch muss Hans ein Fremder bleiben, denn die Trennung von Wohlstand und Wohlergehen mag wenigen so leichtherzig gelingen wie dem Grimm’schen Heimkehrer. Die eigentliche Provokation, die dem Märchen seine Spannkraft erhält, ist aber im Schluss des Textes verborgen: Die Gebrüder Grimm lassen Hans ziehen. Alles, was wir geneigt sind, ihm vorzuwerfen – Naivität, Gutgläubigkeit, Verschwendung –, erreicht ihn nie. Hans darf bis zum Ende in seinem Glück verweilen, während wir täglich ausziehen, um das unsrige wiederzuerlangen. Auch unsere Künstler_innen sind im Aufbruch begriffen: Sie begeben sich auf eine Reise und lassen auf ihr Verwandlung stattfinden. Die Ausstellung „Hans im Glück“ hat zum Ziel, diesen Verwandlungen die Chance des offenen Ausganges zu bewahren. So dürfen auch wir, die Kuratorinnen, gespannt sein, welche Fundstücke und Mären den Kunstraum Niederoesterreich erreichen werden. [Quelle: http://www.kunstraum.net/]

SPOT ON ME Performance muss gesehen werden. 2. Abend der Performancereihe AS CAN BE SEEN FROM 23.04.2015 19.00H - 22.00H SPOT ON ME gibt drei künstlerischen Positionen Raum und Sichtbarkeit. Im Ausstellungskontext werden Performances oft nur bruchstückhaft gesehen – sei es durch die Architektur, die nicht auf performative Arbeiten ausgerichtet ist, sei es durch eine zeitliche Überlagerung der einzelnen Arbeiten und die Entscheidungsüberforderung der ZuseherInnen, wann der Fokus wohin gerichtet werden soll. Performances funktionieren oft bei Ausstellungen als Eröffnungsritual, geraten aber sehr schnell in Konkurrenz zur Feier, zum Event. Kunstinstitutionen, die verstärkt performative Formate präsentieren, verzeichnen seit Jahren einen starken Zustrom. So erfreulich das ist, verlangt es doch nach einem genauen Überdenken der Eignung von Räumen, die primär auf statische Arbeiten hin konzipiert sind. Die für diesen Abend eingeladenen KünstlerInnen entwickeln spezifische Arbeiten, die sich etwa mit Sichtbarmachung, Individualität, Opulenz, Alltäglichkeit, Grenzauflösung und Fokussierung beschäftigen. Milan Loviška und Otto Krause arbeiten mit unheimlichen, queeren Perspektiven auf etablierte Perzeptionsmodi. In „Behaviours that puzzle“, einer körperlich intensiven Performance, dopsen die Künstler in repetitiver Bewegung auf einer vertikalen Achse, wo sie unterhalb der Sicht erscheinen, darüber wieder verschwinden und vice versa. Michikazu Matsune stellt die Motive Identität und Entfremdung in den Mittelpunkt. Performative Figuren und Installation ergänzen sich. Bei „Self Portrait of a Stranger“ gibt es keine statische Bühnensituation – die Grenzen zwischen dem Ort des Publikums und dem Ort der Performance sowie zwischen Beginn und Ende der Aktion sind fließend. Für Tabitha Dattinger und Astrid Sodomka ist Intimität das wiederkehrende Thema, sowohl als Ausgangsfeld als auch als sicht- und spürbare „Ergebnisse“ der Performances. In den gemeinsamen Arbeiten wird der Ausstellungsort, ob Galerie oder Bildraum, zum vertraut nahen Raum. Die Performance „Nähen“ stellt eine Interaktion zwischen den zwei Akteurinnen dar. Ein inniger Kontakt entsteht. [Quelle: www.kunstraum.net]

Die Ausstellung – „Blasser Schimmer“ – geht der Frage nach, wie Möglichkeiten für skulpturales Arbeiten heute aussehen können.

Umfangsangabe: [20] Bl. : überw. Ill.

Umfangsangabe: 32 S. : überw. Ill.

echoes of an exhibition Umfangsangabe: [26] Bl. : überw. Ill.

Umfangsangabe: 64 S. : zahlr. Ill.