Raimund Deininger Gallery

Auf den ersten Blick scheinen die Arbeitsweisen dieser zwei Künstler sehr verschieden zu sein. Während der Maler Gregor Eldarb mit der Formensprache der Moderne arbeitet, konzentriert sich Bildhauer Friedrich Biedermann auf das Thema Licht als Gegenstand. Erster nutzt eine konstruktive Herangehensweisen der bildenden Kunst, die sich im Speziellen mit experimenteller Literatur auseinandergesetzt. Biedermann nutzt den Einbau von optischen Filtern, Lichtbrechern und Spiegelungen als Analyse für Licht im Gegenstand. Charakteristisch dabei ist sein Einsatz von Glasfasern als Kunstmaterial. Was beide Künstler jedoch vereint ist das gemeinsame starke Interesse am Raum. Dabei wechseln die jeweiligen Ansätze auf unterschiedlicher Art je nach Betrachtungsweise. Gerade wegen seiner architektonisch anmutenden Zeichnungen, könnte Gregor Eldarb ein starkes Interesse an Geometrie und Konstruktion unterstellt werden. Dies ist aber nur zum Teil richtig. Die Raumentwürfe von Eldarb bieten vor allem Platz für den menschlichen Körper. Die Linien sind Fassungen für Bewegungen, Spuren und Textfragmente. In manchen Arbeiten Gregor Eldarbs tauchen sogar performative Momente auf. Wer analog dazu die viel stärkere Dominanz vektorieller Teilung in den Glaskuben Friedrich Biedermanns beobachtet, wird sehen wie diese den Umraum in Einzelteile zerschneiden. Biedermanns ästhetischer Ausdruck ist klar konzeptionell konstruiert. Begriffe, wie auch persönliche Elemente, werden zwischen den Vektoren eines euklidischen Raums aufgespannt, wie am Beispiel der Skulptur cold, 2015, in der Ausstellung zu sehen ist. Subtile Hinweise auf die Hintergründe und Entstehung der Arbeiten Biedermanns geben emotionale Momente wieder, wie in der Buchstabenabfolge C O L D (kalt) dokumentiert. Das Wort C O L D entfaltet sich dabei in den Spiegelungen innerhalb der Skulptur. Auch in Gregor Eldarbs Malerei taucht Sprache als künstlerisches Element auf. Hier sind es poetische Fragmente, die weniger mit realen Ereignissen als mit abstrakten Wortspielen zu tun haben und auf experimentelle Narrationen hindeuten. Dem gegenüber steht wiederum das Ende, The End, 2015 von Friedrich Biedermann. Diese Arbeit bezieht sich formell auf die Aufteilung von Frames pro Sekunde im Film und soll dabei ein Ende allzu illustrativer Narration einläuten. [Quelle: www.raimunddeininger.com]

Die Raimund Deininger Gallery freut sich, die erste Ausstellung in neuen Räumen mit dem Wiener Künstler Roland Reiter zu eröffnen! Unter dem Titel GHOST SKIN IN THE FUN HOUSE werden neue Werke des Bildhauers und Musikers präsentiert. Besonderes Gespür für das Unheimliche zeigt Roland Reiter in seinen Plastiken und teils bewegten Skulpturen. Dabei nutzt er oft organisches Material; Silikone, Wachs in Verbindung mit Echthaar oder Tierhäuten und greift immer wieder auf die menschliche Figur zurück. Es sind zum Teil deformierte Körper zusammengeführt mit präparierten Tierkadavern und intime Blicke zwischen Eros und Ekel, die surreale Momente evozieren. Geisterhafte Erscheinungen jenseits normativer Vorstellungen, die Wahrnehmung und Wirklichkeit herausfordern. Die Frage, ob Roland Reiter bewusst in seinen Arbeiten Tabus brechen will, beantwortet er entschieden mit „NEIN!“. Ihm geht es nicht um Provokation, wenn er Menschen mit Behinderung nackt darstellt, intime Körperteile seiner Modelle zeigt, oder der/die BetrachterIn selbst in seiner/ihrer voyeuristischen Lust als Live-Übertragung in die Kunstinstallation mit einbezieht. Roland Reiter bezweckt vielmehr, den Blick der Öffentlichkeit durch seine Werke auf Verborgenes oder Verdrängtes zu lenken und möglicher Weise einer nach Normierung und symmetrischem Idealismus strebenden Gesellschaft die Unordnung des Lebens aufzuzeigen. Ein psychologisiertes Moment spielt dabei oft eine zentrale Rolle. So in der bewegten Figur Johanna aus dem Jahr 2007, in der Roland Reiter dem Gefühl der Schizophrenie ein Bild gibt: als eine mit Pelz ausgekleidete Gips Haut, porös das leere Innere schützend, von einem Stahlgerüst gestützt und bewegt, von äußeren Maschinen gefordert und aufgezeichnet. Oder den sich im verspiegelten Glas einer Serie lebensgroßer Plastiken der Ausstellung Dr. Switch, 2007, reflektierenden BetrachterInnen, die sich und die halbnackten männlichen und weiblichen Figuren sehen. Nicht nur wird hier Bezug auf das identitätskonstruierende Konzept Jaques Lacans als Spiegelstadium im Kindesalter genommen. Roland Reiter thematisiert gleichzeitig eine weitere Partei in der Installation – die der observierenden Kamera. Die Betrachter werden gefilmt. Das sich in Rekonstitution befindende Individuum ist der Gruppe bloß gestellt. Während sich Roland Reiter vor einigen Jahren den Fragen von Eros, Ekel und Voyeurismus stellte, scheint es ihm aktuell darum zu gehen, wie die Unordnung des Lebens als Unheimliches pathologisiert wird. Die Plastik Aruna, 2014, zeigt den vom Arzneimittel Contergan veränderten Körper eines Mannes. Roland Reiter setzt diesen als vergoldete Götze auf einer Kunststoffwolke sitzend, mit Laser-Augen um. Hier werden Formalismus und Signifikanz des Ikonischen ausgehöhlt. Es geht nicht um Ironie, sondern um die Affirmation des Andersartigen! [Quelle: www.raimunddeininger.com]