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wie aus dem scheitern hoffnung entsteht …. ein gespräch mit johannes vogl-fernheim (auszug) johannes vogl-fernheim verschrieb sich seit dem beginn seiner künstlerischen tätigkeit der „klassischen“ malerei, wobei die farbe und ihre wirkung stets eine zentrale rolle in seinem schaffen spielt. die farbe ist sein primärer ausdrucks-, stimmungs- und informationsträger, ihre mitunter therapeutische wirkung, ihre aussagekraft, ihre strahlung und energie seine leidenschaft. der durchwegs warme, heitere colorit seiner ölbilder ist ausdruck seiner positiven lebenseinstellung und der überzeugten hoffnung, dass es kein scheitern gibt. während seiner vierjährigen malerei -und graphikausbildung an der gerrit rietveld akademie in amsterdam, arbeitete der künstler auch zwei jahre lang als restaurator. er erhielt die einmalige gelegenheit an der restaurierung eines werkes von rembrandt mitzuwirken und dessen maltechnik zu erforschen. die auseinandersetzung mit dem alten meister, der seine durchscheinende farbstrahlung durch das übereinanderlegen von unzähligen schichten von farbpigmenten auf einer hellen grundierung erzielte, legte einen grundstein für die entwicklung der intensiven leuchtkraft der farbe, die den ölbildern des malers zugrunde liegt. er experimentiert von anfang an, gefördert durch das wissen, das ihm in seinen lehrjahren vermittelt wurde, mit dem werkstoff farbe und stellt diesen selbst her. die letzte entwicklung in seiner auseinandersetzung mit der farbe als kommunikationsmittel zeigen die arbeiten dieser ausstellung, welche in den vergangenen drei bis vier jahren entstanden. indem der künstler seinen farben harze beimengt, eine technik, die die oberfläche glänzen und gleichzeitig die ölfarbe schneller trockenen lässt, verstärkt er die wirkung des lichtes. während also einerseits durch das klassische auftragen der farblasuren transparenz und leuchtkraft von innen her erzeugt wird, intensiviert die oberflächenreflexion des lichtes noch die wirkung und aussagekraft der farbe. (maddalena steinbacher) zu den werken von christoph waldhart wir leben in einer welt, in der schon um einen baumstamm gestritten wird. was machst du mit diesem baum? wohl keine bretter schneiden, nein, es wurden holzscheite, die als objekt nun da sind und in den rang eines kunstwerks erhoben wurden. es war eine besondere erfahrung beim spaltprozess, wie zäh sich ein stück holz gegen meine eingriffe sträuben kann. teilweise am rande der totalen erschöpfung musste ich feststellen, dass ich gewisse entwicklungen nicht kontrollieren kann. dieses erkennen von naturgegebenem war ein zentraler inhalt dieser arbeit. holzscheite wurden und werden in diversen kulturen verwendet, jedoch deren konnotationen können bipolar ausgelegt werden. wuchtige dimensionen der einzelnen holzteile sollen den betrachter gemahnen, dass zuvor viel energie nötig war, um solche strukturen und oberflächen zu bilden. spürt der "observer" auch die schwere und die gewalt der materie, muss er körper und geist aktivieren? [Quelle: http://www.artdepot.co.at]

"christian eisenberger ist wortkarg und ideenreich. er ist einer, der bis über die ellbogen ins leben greift. der fundus, aus dem er schöpft, ist unendlich, denn dieser fundus ist nichts weniger als die welt in allen ihren teilen. eisenberger betreibt seine kunst nämlich ernsthaft (im unterschied zu "ironisch") als weltaneignung, indem er verwertet und verwandelt, was ein ort hergibt und was andere keines blicks mehr würdigen. es ist eine welt der einfachen dinge jenseits ihres gebrauchs- und tauschwerts, ein chaotisches universum aus kartonagen, pornoheften, geweihstangen, gelaufenen postkarten, abgespielten schallplatten, tannenzapfen, liegen gebliebenen strapsen, ultraschallaufnahmen von föten, bildern von seinem großvater und marilyn monroe, klebeband en masse, haarabfall vom friseur, wortspenden von passanten und jede menge farbe, schlichtweg alles, was es gibt, dient ihm als material. tja, wofür? für neue weltteile, die zum betriebssystem kunst gehören. skurriles zeug wie betondackel auf rehbeinen, christen-kreuze und david- ebenso wie kommunistensterne aus wasserwaagen, "guten morgen"-grüßen aus kuhmist, klebeband-kokons, denen er entschlüpft, sie wie eine alte haut abstreift, passend zu seiner täglichen metamorphose als künstler. wo eisenberger auch hinkommt, das material für seine arbeiten ist schon dort. er entnimmt es stets seiner umgebung. ob in der natur oder am bauernhof, in der innenstadt oder im museum, alles, was gerade zur hand ist, wird verwendet, verwandelt, verwertet. deshalb greifen alle etiketten wie "land-art" oder "street-art" zu kurz, denn eisenbergers unentwegter kunst-kraftakt, selbst die tägliche arbeit im atelier trägt den charakter einer dauer-performance, wodurch der arbeitsprozess wichtiger wird als das ergebnis. der künstler arbeitet oft in serien, experimentiert dabei mit ideen und materialien bis er ihrer überdrüssig wird und die arbeiten zunehmend lässiger und ungestalteter werden. in seinen ausstellungen greift er gerne auf frühere gestaltungen zurück, variiert und kombiniert diese mit neuem und geht dabei bis an die grenze der belastbarkeit für material und mensch." (auszug aus dem text "über christian eisenberger und seine kunst" von martin titz) nach seinem musik-und kunststudium legt thomas palme eine langjährige schaffenspause ein und beginnt ende der 1990er jahre einen künstlerischen neuanfang mit grafiken und videos, die seine performances dokumentieren. der fast manische, perfektionistische stil seiner großformatigen graphitzeichnungen, auf denen gesichter und fratzen ihre zähne blecken, ist geprägt vom virtuosen wechsel der linken und rechten künstlerhand. rené stessl lebt in köln und vermisst die berge. [Quelle: http://artdepot.co.at/]